【WSD 2017系列】領域跨界新主張 21世紀舞台設計趨勢說

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2017-07-04
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劇場魅力,火力全開!四年一度的國際性展覽──第四屆世界劇場設計展(World Stage Design,以下簡稱WSD)在 7/1 於國立台北藝術大學亮麗開展,無論你是活動人、劇場人、音樂人、設計人、藝術人……各種領域、各種行業都可能在 WSD2017 中找到無盡的靈感,並刺激、挑動敏感的創意神經!

在前篇世界劇場設計展highlight蒐集內,活動幫已為各位活動人蒐集 WSD2017 展覽的各大必看亮點,當然,我們在本次也特地請來幾位專業領域的專家,透過舞台設計、燈光與服裝等三大區塊,進行專業分享與近年的設計趨勢剖析。而在本篇,我們首是邀請到在劇場、舞台與展場設計都頗具經驗的高豪杰老師,來為大家導覽 WSD2017「舞台設計」與「展場設計」的幾個重要元素與要點。

概念先行.印象升級

進入關渡美術館,牆面上的大型海報首是吸引到你的目光,不同顏色的標註提醒觀眾所進入到的樓層,簡明的重要標示能讓觀眾快速捕捉到重要訊息,這當然是展場設計的要點之一。

而對於一個好的展場設計而言,必須在細節處附有「導覽」作用,也因如此,進入美術館內亦能先看見一個獨立的策展空間。於此,民眾可以先捕捉到 WSD2017 的展覽中的其中一個主題展示──《21世紀創新服飾:下一新世紀》(Innovative Costume of the 21st Century: The Next Generation),此展區不但能讓民眾先意識到自己接下來所會參觀的展覽風格外,更是能在一開始就先產生深厚印象,可說是具有輔助功能。


善加利用人類是「視覺動物」的特性,便能在眾多作品中脫穎而出。

用心突巧思.你好吸睛 

在茫茫展覽作品海中,你要如何與作品產生共鳴?「視覺」便是高豪杰老師所強調的要點。就如 WSD2017 的展區設計為例,每個入圍者都有兩大塊的空間可供自己發揮創意,有的入圍者採以文件展(完整展出作品設計模型、設計手稿等各個作品設計細項)方式呈現,有的則是結合實際演出的影像紀錄、電腦繪圖稿等,更有些入圍者會將劇中的舞台元素直接搬到展場,讓觀眾直接感受到舞台的生命力。


如何在兩片展區中將自己的作品特色發揮到最大化,不僅是考驗入圍者的腦力,更是挑戰創意!


無論入圍者的作品是否有實際演出經驗,WSD 所要呈現的就是劇場工作者本身的創意與發想過程,也因如此,在展區中時常能見得一些難以在現實生活中實現的舞台。


打破各領域間的界線,已經是全球皆然的「趨勢」,更是不可避免的現象!

跨界領域成常態

無論在 IT、活動、廣告甚至是藝文,現今產業界已不再純然存在單一元素或是技術的運用,跨界整合與運用不但符合現在的產業趨勢,甚至在未來,領域間的界線也會越來越模糊。也因如此,現今的技術分野越來越難單一化,這當然讓傳統的劇場技術碰到挑戰,但也因而產生新的語彙與概念。


結合影像創作、空間、科技與戲劇表演元素,由「劇場影像詩人」周東彥所導演的《我和我的午茶時光》(Teatime with Me, Myself and I)即是跨領域設計、打破界線的佳例。

如近兩屆的 WSD 在獎項的設置上除有常見的戲劇專有名詞 Sound Design、Costume Design 與 Lighting Design 等,Performance Design(整體性的舞台設計,包含舞台、燈光、服裝等)獎項的設置也顛覆以往大眾對戲劇設計的分野,甚至在今年也特增 Set & Space Design(空間所帶給劇場設計本身的限制)、Projection and Multi-Media Design(主題與多媒體運用)和 Interdisciplinary(跨領域設計)等隱含多種技術與領域面向的新興用語。

來自波蘭的作品《塑》(Shape-Performance for Ropes, Cloth and Pulleys)以設計為演出主體,重新思考物件於表演中的運用。利用五十公尺見方的白帆,表現出如同水手揚帆在空中生長、擴張、蔓延,抽象的形式觸發感官的顫動。但有趣的是,這個作品雖以帆布作為主要的表演者,但在幕後當然有人在拉動,如此一來,有「人」的元素、有「思考」的空間,你能說它只是一個裝置藝術還是商業表演嗎?難道它就沒有戲劇表演的成分嗎?對此,高豪杰老師為觀眾保留更多想像的空間。

創新、復古一線間

有趣但又帶有深深感觸的是,隨著科技與技術日新月異,未來的流行趨勢又是什麼?「虛擬」,便是讓高豪杰老師特別有感之處。虛擬虛擬,真真假假,透過 3D 影像的虛擬劇場概念也在近年逐漸露出水面,但這些元素能說是近年才出現嗎?其實不然。

就像是流行時尚領域,舞台設計的概念與創意自然會受到社會環境、政治與文化風潮而有所變異,透過每個時代間所關注的點(如聲音的質感與視覺的呈現技術的突破),甚至是實際運用面向與流行不同,因而產生有不一樣的呈現手法,但歸根究柢,其中心思想與元素的運用都是相同的。在這些情況下,你要說是創新,還是復古?當然,傳統仍有它的價值性。


對於新銳設計師楊世丞而言,一個好的舞台設計絕對需要在劇本上專研許久,歷經多次的修改及討論才能打造出專屬該劇的風格。

風格.設計靈魂

回歸到舞台設計的面向,隨著跨界已成常態,舞台設計也必須考量到更多層面。其中新銳設計師楊世丞也向我們表示,舞台設計師與編劇、導演三者透過不斷的溝通,找出最大、最美的可能性進而落實,不能單憑天馬行空的想像,但只要能找出可能性,「創意」絕對比技術更為重要。而除了在設計上需獨樹一格,國家的文化與風情,也是在戲劇展覽中特別容易窺見的一項重點。

就以墨西哥來說,其舞台設計所流露出的鮮豔色彩、服裝設計也試圖在材料和顏色上跳脫框架,演員與整個劇作所展現的蓬勃生命力更是展現出其民族風情,讓高豪杰老師特別想認識這個國家與其文化。

另一方面,如香港的作品即展現出香港地理擁擠與人民生活的苦澀與壓抑,日本的作品則在陳列與展區擺設上有条不紊,設計的理念也相當精準,中國作品則在近年脫離固往一味「中國風」的追求,作品多元性的能見度不但提高,表現主義也越發強烈。此外,高豪杰老師也向觀眾強調,需多加關注非洲、東歐與東南亞國家的作品,能從中發現更多意想不到的創意與巧思呢!

共享新世界

在嶄新的體驗年代(Experience Era),無論是哪一個類別的產業都正在面臨新的衝擊與挑戰。而戲劇展覽之所以多元,乃在於劇場本身就是一個必須跨文化與領域的場域,元素自然多元、多樣。劇本來自於文學的象徵主義,演員的表現來自於歌舞與情感的流動;光影變化來源於科技技術的採用,服裝除是展現美學,也是體現角色的個人特質,皆是環環相扣,缺一不可。

最後,高豪杰老師也一再強調,「商業活動」與戲劇展覽之間的界線並不分明,在全球化的影像之下,從戲劇展覽中也一定能看見創意的多元化與產業突破的多樣性,彼此間的影響與撞擊力絕不能輕易忽視,更要把握眼前的挑戰與機會!

 

【關於】
個人簡介

高豪杰為德國慕尼黑美術學院藝術碩士,主修舞台暨服務設計、國立台北藝術大學戲劇系藝術學士,主修舞台設計。現為國立台北藝術大學戲劇學系兼任教師。於 2005 年以傑出藝術成就畢業。2009 年以作品《歌德:浮士德》及〈針鋒對決 Othello〉入圍 WSD 2009,2011 年獲得德國學術交流總署 DAAD 獎學金赴德國深造,師事教授 Ursel Hermann 女士及 Ezio Toffolutti 先生。

專業經歷
2015《拉然巴在美術館》展場設計
2015《傳統藝術金曲獎》頒獎典禮舞台設計
2014  TIFA 國際藝術節《聊齋聊什麼哉?!》舞台設計
2013  高雄春天藝術節舞蹈《春之祭》技術統籌
2013  中華文化總會《新春文薈》場地規畫暨舞台總監
2012  高雄文藝獎頒獎典禮,舞台設計暨展覽空間設計
2011《布拉格劇場設計四年展》(Prague Quadrennial of Performing Design and Space,PQ)臺灣國家館空間設計
2009《針鋒對決 Othello》、《歌德:浮士德》WSD2009 作品入圍
2009《05161973 辛波絲卡》台北藝術大學實驗劇場舞台設計
2009《貓的天堂》蘭陵 30 週年紀念演出舞台設計
2008《老鼠娶親》台北愛樂舞台設計
2007《約會 a date》誠品敦南店藝文空間舞台設計
2004《群鬼》巴伐利亞戲劇學院舞台設計

更多世界劇場設計展 WSD2017系列報導,也請各位持續關注活動幫!

作者:活動幫編輯 Davina

將對於「美」的熱情投注活動,由互動科技與數位多媒體的五光十色、炫目多變的舞台燈光,到文創藝術的時代精神,記錄活動人穿梭會場的身影,深入挖掘活動的方方面面,在活動幫網站,每個活動人都能是綠了那江南岸的春風。
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